INTRODUCCIÓN Y TARANTELLA DE SARASATE

Sarasate fue un niño prodigio en una época en la que estaba muy bien ser un niño prodigio.

En pleno apogeo de los virtuosos y del más difícil todavía, aparece un niño de 5 años que realiza auténticas virguerías al violín, y, claro, enseguida comienza a ganar premios y a viajar y se hace famoso, y sigue tocando y tocando y estudiando violín… y con tanto recital y tanta técnica violinística, deja de estudiar composición y armonía (algunos dirán: “se nota”, y en realidad he puesto el dato para que esos algunos lo digan, así que no voy a insistir sobre ese punto…)

Lo que también se nota en sus composiciones es la facilidad que tenía para exprimir los recursos del violín hasta el infinito y más allá. Está claro que escribía para sí mismo, y me cuesta imaginar que alguien escriba lo que no es capaz de tocar. Y lo que escribe es realmente difícil…

La pieza que escuchamos hoy consta de dos partes, como cualquier lector sagaz se habrá imaginado al leer “Introducción Y tarantela” . Es una composición para violín y piano en la que el papel del piano se limita casi exclusivamente al acompañamiento, cediendo todo el protagonismo al instrumento rey: el violín (por algo era el que tocaba el compositor, que es el que manda..)

La introducción es en realidad una especie de excusa para lo que viene después, pero que en este caso se dilata y se prolonga con una melodía que no se deja atrapar. Los acordes del piano introducen un violín que canta en el más puro estilo romántico. El tempo se alarga o se acelera como si el intérprete jugase con él a voluntad, y el resultado es una atmósfera de pura expresividad en la que se ve envuelto el oyente casi sin querer.

Hasta que el violín (siempre el violín) decide que ya es hora de terminar con la expresividad y comienza una serie de arpegios que van sonando cada vez más precipitados.

Y por fin llega la tarantela, que era una antigua danza italiana con la que supuestamente se combatía la picadura de la tarántula: cuentan que a los que sufrían la picadura de esta araña, se les hacía bailar una danza muy rápida y agitada para que con el sudor se expulsara el veneno de la picadura. Escuchando la tarantela de Sarasate se hace más que probable la posibilidad de que al bailar una danza de este estilo uno expulse fuera todos los males de su interior…

En ella Sarasate aprovecha para echar el resto y emplea todo su repertorio virtuosístico: golpes de arco, acordes, dobles cuerdas, armónicos… recursos técnicos que a los que escuchamos nos importan más bien poco, pero que están ahí, y si no, que se lo pregunten al intérprete…

Que lo disfruteis.

2º movimiento del Concierto de Aranjuez, de Rodrigo

Hoy escuchamos la que quizá sea la composición española más internacional de todos los tiempos. A todos nos suena la inconfundible melodía del segundo movimiento del Concierto de Aranjuez, del valenciano Joaquín Rodrigo, lo que muchos no saben es que fue inspirada por una historia tan triste y tan bonita que sólo es expresable mediante el lenguaje de la música...

Ciego desde la infancia a consecuencia de una enfermedad, esta pérdida fue lo que le hizo acercarse a la música, resultando ser un compositor con una habilidad excepcional para mostrar los sentimientos, y un gran ejemplo de ello es el movimiento que ahora escuchamos.

Sus estudios musicales le llevan primero a Valencia y más tarde a París, donde conoce a la que será su esposa, Victoria Kamhi. Los recién casados deciden pasar su luna de miel en la localidad madrileña de Aranjuez, que el compositor evocará en su famoso concierto para guitarra y orquesta.

La alegría por la llegada de su primer hijo se transforma en dolor cuando éste no llega a nacer. A la tristeza se une la preocupación, pues la salud de Victoria corre también peligro.

Esta mezcla de sentimientos es la que sirve de inspiración al compositor para escribir la música que hoy escuchamos. La manera en que la guitarra y la orquesta nos hablan de dolor, pena, resignación y esperanza es algo casi mágico. Con el lenguaje de la música, el compositor nos transmite sus sentimientos de una forma directa y transparente.

Os invito a que veáis y escuchéis esta guía para la audición del Segundo Movimiento del Concierto de Aranjuez.

Espero que os guste.

Capricho nº 24 de Paganini

Hace unos días escuchábamos el capricho nº 24 de Paganini en nuestras charlas de Audiciones Comentadas. Además de ponerles el video que estáis viendo, me llevé el violín y les mostré en vivo y en directo, en qué consistían exactamente todas las virguerías violinísticas que estaban escuchando.

Alguno de mis oyentes me consta que se fue a casa más que agobiado, y es que Paganini, en esta pequeña pieza de poco más de 6 minutos de duración, hace un recorrido por la técnica del violín sin dejar prácticamente ningún procedimiento por explorar.

En cada una de las variaciones sobre el tema principal, explora uno de los recursos técnicos del instrumento. Podemos escuchar dobles cuerdas (tocar dos melodías a la vez, una en cada cuerda del violín y hacerlas sonar juntas), acordes (tocar TRES notas “casi” a la vez), notas tocadas a gran velocidad, diferentes golpes de arco o maneras de utilizar la flexibilidad de las cerdas para atacar las cuerdas con diferentes rebotes del mismo (saltillo, staccato…), los registros más agudos del violín, con los que se consigue una sonoridad fantasmagórica, y un montón de dificultades más con las que no os voy a abrumar… Cada nueva variación es una sorpresa para el oyente, que asiste con asombro y fascinación a este despliegue violinístico casi casi cirsense.

Famoso por sus puestas en escena, en las que dicen que se autosaboteaba (se le rompía una cuerda en el momento más “inesperado”) para salir airoso de la situación con un magistral golpe de efecto (¡seguía tocando con las otras tres!), Paganini tenía un talento y una facilidad para el instrumento que le hicieron destinatario de múltiples leyendas en las que se le atribuían poderes mágicos ganados gracias a pactos con el diablo.

Parece ser que la prodigiosa longitud de sus dedos era más bien debida a algún tipo de malformación, pero incluso para él, la versión del pacto demoníaco era mucho más emocionante y beneficiosa.

Os dejo con el capricho nº 24. Que lo “disfrutéis”.

Primavera de Vivaldi, Primer Movimiento. Guía para la audición.

Hoy os he preparado un video sobre La Primavera de Vivaldi. Compositor y violinista italiano del periodo barroco, y gran amante de la naturaleza, ésta fue su principal inspiración para sus cuatro conciertos más famosos, dedicados cada uno de ellos a una de las estaciones del año. Con los textos de los sonetos que acompañan al concierto, podremos ver cómo la música de Vivaldi es realmente descriptiva.

En este primer movimiento de La Primavera, Vivaldi describe la alegría que produce la llegada del buen tiempo. Como si de efectos especiales se tratara, escucharemos el piar de los pájaros, el murmullo del viento, el fluir de los arroyos… y, para no olvidar que estamos en primavera, los truenos y relámpagos de una inesperada tormenta.

En el aspecto musical, vamos a diferenciar las partes del solo (recordemos que es un concierto para violín) frente a las de toda la orquesta (tutti), escuchando los típicos diálogos o discusiones característicos de los conciertos para instrumento solista y orquesta.

Un recurso muy empleado por Vivaldi son las dinámicas: el hecho de que la música suene fuerte (forte y fortissimo son las palabras italianas que se emplean para indicarlo en la partitura) o suave (piano o pianissimo), harán que nuestra sensación sea bien diferente, y los contrastes entre estos elementos dotan de gran frescura a la música. En concreto, escucharemos un efecto muy típico de la música del Barroco: el eco, consistente, como podemos imaginar por su nombre, en repetir una misma frase musical primero forte y luego piano.

Espero que esta pequeña guía musical os ayude a saborear uno de los conciertos más famosos de la Historia de la Música de una forma diferente. Que lo disfrutéis.

El Ataque a los Molinos de la Suite Don Quijote de Telemann

Un nuevo ejemplo de música descriptiva, esta vez del compositor más prolífico de todos los tiempos según consta en el libro Guiness de los records. Una de las más de 800 obras que nos consta que escribió el músico alemán, es esta Suite de Don Quijote.

En ella, con diferentes números de carácter bailable, Telemann describe otros tantos aspectos de la novela, desde los suspiros de amor por su amada Dulcinea, pasando por el galopar tanto del caballo de Don Quijote, Rocinante, como del rucio de Sancho Panza, hasta el que escuchamos hoy: su “pelea” con los molinos de viento.

No hace falta echarle mucha imaginación para ver en la música rápida y llena de sobresaltos, el desgraciado ataque de Don Quijote a lo que creía que eran gigantes. El cabalgar de Rocinante lo podemos apreciar en las notas repetidas de los cellos y en las secuencias de notas que van ganando intensidad, y no nos cuesta demasiado imaginar los porrazos del pobre caballero andante al escuchar las notas más destacadas de los violines.

Merece la pena resaltar la importancia que ya en esta época tenía la obra de Cervantes, que atravesó varios países hasta llegar a manos de Telemann, el cual, tras conocerla, decidió dedicarle una de sus obras.

Espero que os guste.

O quam tristis, del Stabat Mater de Pergolesi

Stabat Mater (Literalmente: Estaba la Madre) es un texto católico en el cual se reflexiona sobre el sufrimiento que debió padecer María al ver a su hijo crucificado.
Numerosos autores han empleado este texto como inspiración para sus creaciones, como es el caso de Pergolesi, compositor italiano del siglo XVIII que gozó de gran fama en su corta vida.

La obra de Pergolesi, escrita para dos voces solistas femeninas y orquesta de cuerda, a lo largo de diferentes números va adentrándose en el sufrimiento de la madre de Jesús. El compositor nos deja varias páginas de una música sobria, íntima y sobrecogedora, que literalmente “duele” en determinados momentos, al mostrar la gran agonía de una madre que ve padecer a su hijo sin poder hacer nada por aliviar su dolor.

Ya desde el principio, las notas destacadas de la orquesta, o los solos del violín (0:09) potencian esta sensación de lamento y pesar.

Se trata de una obra de gran expresividad en la que la música se adapta al texto para que éste adquiera aún más significado empleando diferentes recursos. Así, cuando las dos voces se unen para decir “unigenito” (1:30), toda la orquesta parece ser una sola voz, dando aún más expresión y sentido a esta palabra.

Os dejo, como siempre, el texto original en latín y su traducción al español.

Que la disfrutéis.


O quam tristis et afflicta
Fuit illa benedicta
Mater unigeniti

¡Oh cuán triste y afligida
estuvo aquella bendita
Madre del Unigénito!.

Dies Irae del Requiem de Mozart

Sólo podemos imaginar qué pensamientos pasarían por la cabeza de Mozart al escribir este Requiem.

En los últimos meses de su vida, asediado por los acreedores y víctima de una enfermedad que, aunque no le impedía trabajar, le dejaba agotado y sin fuerzas, acepta el encargo de un desconocido que le propone escribir una misa de difuntos sin decirle para quién estaba destinada.

Cuentan que a Mozart le impresionó tanto la visita de este misterioso personaje, que en su delirio imaginaba que era la misma Muerte la que vino a encargarle la música de su propio funeral, llegando a desear no aceptar el encargo por miedo a que, al concluirlo, concluyese también su vida.

Pero los apuros económicos fueron más fuertes que su imaginación, y finalmente se decidió a componerlo, aunque constantemente le torturaba la idea de estar escribiendo el Requiem para sí mismo. La fuerza del Dies Irae que hoy escuchamos nos hace imaginar un Mozart asustado que se rebela con furia ante la inminente muerte. La potencia de las voces y el agitado acompañamiento de la orquesta consiguen crear una atmósfera entre aterradora y aterrada de la que no es posible abstraerse. Los cambios bruscos de carácter (en 0:49 y aún más exagerados en 1:04) hacen más palpable esta dualidad de sentimientos.

Mozart tenía razón, pero no del todo, pues aunque la muerte estaba cerca, ésta no esperó a que concluyese su obra para llevárselo. El compositor falleció dejando el Requiem inacabado, y sin conocer la identidad del oscuro caballero, que resultó no tener la explicación sobrenatural que Mozart le atribuía, sino una mucho más humana y prosaica, pues parece ser que se trataba de un noble que quería aprovechar el anonimato del encargo para hacer pasar por suya la obra del genio. La muerte desbarató los planes del usurpador, pues el Requiem, que fue terminado por uno de los discípulos de Mozart, vio la luz antes de que el encargo llegase a su destino.

Os copio el texto y la traducción para que podáis seguirlo.

Espero que os guste.

Dies iræ, dies illa,

Solvet sæclum in favilla:

Teste David cum Sibylla.

Quantus tremor est futurus,

Quando judex est venturus,

Cuncta stricte discussurus!


Día de la ira será aquel en que

el mundo será reducido a cenizas,

según los oráculos de David y Sibila.

¡Grande será el temor cuando

aparezca el justo Juez a pedir

cuentas de lo que hemos hecho!